Este blog es para los alumnos de CIEUD y para el publico en general que tenga un interes sobre el cine, su inicio y su trayectoria; gustos personales de cada administrador que hace el blog .
martes, 29 de septiembre de 2015
martes, 22 de septiembre de 2015
Estrategia para buscar información en web
Una estrategia para poder buscar información sin que nos aparezcan paginas que no necesitamos es poner nuestra palabra o frase entre comillas ("), esto ase que elimine resultados que no requerimos y así poder obtener una información extensa de lo que necesitemos.
Los mejores directores de fotografía del cine actual
Solo los mejores directores de fotografía logran una estética capaz de definir a un largometraje para que éste sea recordado para la posteridad.
La primera vez que vi Kill Bill de Tarantino tenía unos 11 años, y aunque la película tampoco me enamoró, sin saber muy bien por qué tenía unas ganas inmensas de llegar a casa y colocar el póster de Uma Thurman con su traje amarillo en mi habitación. Por aquel entonces no lo sabía, pero aquello era culpa de la cuidada estética del filme, algo de lo que (entre otros) era responsableRobert Richardson.
No hace falta ser muy aficionado al séptimo arte saber Vittorio Storaro, Néstor Almendros o Gordon Willis pueden ser considerados como algunos de los mejores directores de fotografía del cine. Todos ellos son elevados a la altura de maestros y sirven como modelos para muchas generaciones posteriores.
Sin embargo, en el cine actual también existen algunos referentes que se encargan de dejar huella en cada largometraje que participan. Dependiendo del encargado de la película, las figuras implicadas en la estética serán diferentes, pero por lo general el director de fotografía suele ser el máximo responsable de ello.
Hacer una recopilación de todos ellos es algo complicado, ya que cada cual será aficionado de unos profesionales concretos. Sin embargo, voy a tratar de aunar los que para mí son los mejores directores de fotografía.
Larry Fong
La película 300, dirigida en 2007 por Zack Snyder, asombró a muchos por su particular estética. Las técnicas de fotografía de Larry Fong se unieron a las de los efectos especiales generados por ordenador, otorgando así una imagen única.
Desde entonces, Larry Fong se ha embarcado en proyectos también relacionados con el cómic, como Watchmen, o en la hermosa Super 8 de J.J. Abrams. Asimismo, también será el responsable de Batman v Superman: Dawn of Justice, un motivo más para creer en la película.
Hoyte Van Hoytema
Al margen de si el argumento de Interstellar fue el más adecuado, desde mi punto de vista existe algo sobre lo que no debe existir ninguna duda: su atmósfera. De aquello que vemos y cómo lo hacemos se encargaba Hoyte Van Hoytema, quien bajo la dirección de Nolan era el responsable de grabar un gran número de tomas.
Asimismo, Hoyte también fue el director de fotografía de Her, una película que visualmente es capaz de enamorar al espectador. Todo lo que se muestra en ella parece tener un significado, desde el tipo de plano usado hasta los colores de los entornos utilizados.
Emmanuel Lubezki
Créditos: Borealisk
Finalmente, fue Gravity la película que alzaría a Lubezki como el ganador del Oscar a mejor director de fotografía. Un premio que, debido a la trayectoria del director, se encontraba más que justificado.
Son muchos los que consideran a Emmanuel como uno de los mejores directores de fotografía, y lo cierto es que no faltan razones para ello. El falso plano secuencia de Birdman provocaría que el mexicano se hiciese por segunda vez con la estatuilla de oro, pero también hay que destacar la labor de Lubezki en películas como el El árbol de la vida.
Robert Richardson
Como indiqué al principio del post, es quien provocó que sitiera el deseo de colocar un póster de Kill Bill en mi habitación. Robert Richardson es el director de fotografía de Tarantino por antonomasia, y por lo tanto también responsable de muchas de las virtudes mostradas en sus películas.
Está claro que Tarantino adquiere aquí un papel muy importante, no es un director que se limite a ver cómo otros graban su película, pero Richardson es la persona en la que Quentin lleva delegando tales funciones desde la primera entrega de Kill Bill. Asimismo, también ha trabajado para otros directores como puede ser Martin Scorsese para la película Shutter Island.
Newton Thomas Sigel
Puede que Sospechosos habituales fuese la película más destacada dentro de la filmografía de Thomas Sigel, pero su culmen como director de fotografía llegará en Drive. La mística película de Nicolas Winding, alabada por unos y criticada por otros, nos ofrece atmósfera cargada luces y sombras que algunos cinéfilos llegaron a comparar con Taxi driver. Newton Thomas Sigel se encargó del, para mí, punto más fuerte de drive: el de la estética.
Robert D. Yeoman
El gran hotel Budapest era la película que junto a Birdman tenía grandes posibilidades de conseguir el Oscar a mejor fotografía. Finalmente, el premiado fue Lubezki, pero aquello no quita mérito al trabajo de Yeoman.
Su otro trabajo más importante puede ser el de Moonrise Kingdom, también dirigida por Wes Anderson. Así, el director amante de las simetrías y la perfecta composición de los planos parece haber encontrado en Robert D. Yeoman la persona encargada de la fotografía en sus filmes.
Wally Pfister
Del mismo modo que ocurre con Tarantino y Robert Richardson, Wally Pfister parecía estar unido a Christopher Nolan hasta la llegada de Interstellar. Es imposible hablar de la última trilogía de Batman sin mencionar a Pfister, ya que éste fue uno de los culpables de que volviésemos a amar las aventuras del hombre murciélago.
Además, también debe ser reconocido por otros trabajos importantes de Nolan, tales como Memento o El prestigio, grandes obras que no habrían sido lo mismo sin la presencia de Wally Pfister.
sábado, 19 de septiembre de 2015
Distribución de las películas
Distribución de las películasEditar
Siendo el cine el único multimedia de la época, y estando su producción bien controlada por los grandes estudios, se desarrolló todo un mecanismo de producción industrial de películas.
Así, se programaba no la exhibición de una película pura, sino de verdaderos rotativos que ofrecían, por el mismo precio, una serial y dos películas. A la película principal se sumaba una de menor costo, y producción barata y apresurada, que por su condición de relleno, pasó a ser llamada serie b.
Posteriormente la serie B evolucionaría hasta ser un género por derecho propio, pero en aquel tiempo, iba adosada al cine normal.
Las llamadas series dominicales eran historias dirigidas al público infantil o juvenil, y que por ende, ofrecían historias de vaqueros, de aventuras o de ciencia ficcion. Constaban de una docena de capítulos, de algunos minutos de extensión cada uno, y terminaban en cliffhangers que obligaban al espectador a acudir al cine el domingo siguiente, para saber cómo el protagonista saldría del peligro de muerte. Historias dominicales de matinée como por ejemplo Flash Gordon contra el universo no solo le dieron carta de naturaleza en el cine a personajes por entonces recientes como flas gordon, superman o batman, sino que son la evidente fuente de inspiración para hitos fílmicos posteriores como star wars o indiana jones.
La creación del lenguaje cinematográfico
La creación del lenguaje cinematográficoEditar
En esos años, la técnica de contar una historia en imágenes sufrió una gran evolución. Los primeros cineastas concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los escenarios eran simples telones pintados, y se utilizaba una cámara estática. A medida que pasó el tiempo, los directores aprendieron técnicas que hoy por hoy parecen básicas, como mover la cámara (por ejemplo, el travelling) o utilizarla en ángulo picado y contrapicado, pero que en esa época eran ideas revolucionarias. También se pasó desde el telón pintado al escenario tridimensional, por obra especialmente de los filmes historicos rodados en italia en la década de los años diez (Quovadis o cabiria).
jueves, 17 de septiembre de 2015
Cine Sonoro
Anteriormente al cine sonoro ya existía el sonido en el cine. Los cineastas y proyectistas se habían preocupado de ello, pues el cine nace con voluntad sonora. En las primeras filmaciones cortas en que aparecen actores y actrices bailando, el espectador no oye la música, pero puede observar sus movimientos. Por otra parte, rara vez se exhibían las películas en silencio. Los hermanos Lumiére, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a sus sesiones de cinematógrafo en su local de París y hubo compositores de valía, como Saint-Saéns que compusieron partituras para acompañar la proyección de una película.
viernes, 11 de septiembre de 2015
17 CLÁSICOS DEL CINE BLANCO Y NEGRO
La historia del cine es amplia y fascinante; desde sus inicios se ha convertido en una de las mejores formas de expresión, y durante su evolución ha dado lugar a grandes joyas que, no obstante al paso del tiempo y las novedosas técnicas cinematográficas que han aparecido, sorprenden por el alto valor estético que sentó las bases para las futuras generaciones de cineastas, tanto a nivel visual como narrativo.
A continuación presentamos una lista con algunas de las películas clásicas del cine en blanco y negro:
Ambicioso proyecto que narra cuatro historias que se desarrollan en torno al tema de la intolerancia religiosa y social. Se divide en cuatro capítulos que se van alternando: “la matanza de los hugonotes”, “la noche de San Bartolomé”, “una sangrienta huelga de trabajadores de Estados Unidos” y “la caída de babilonia”. Es una película que sorprende por sus escenas majestuosas, producto de un enorme presupuesto y un derroche de recurso nunca antes visto. A pesar de esto, la película no logró obtener el éxito esperado y su producción sólo generó grandes pérdidas.
El gabinete del doctor Caligari (1919) Dir. Robert Wiene
El gabinete del doctor Caligari (1919) Dir. Robert Wiene
Película clásica del género de terror, considerada la primera cinta expresionista de la historia y una de las más representativas de dicho movimiento. Narra las desventuras que Alan, Francis y la novia de éste, Jane, viven a causa del desquiciado y malévolo doctor Caligari y su extraño ayudante Cesare, quien parece estar bajo un extraño influjo que ata su voluntad a los deseos del doctor.
Nosferatu (1922) Dir. Friedrich Wilhelm Murnau
Película del expresionismo alemán, adaptación libre de la novela Dracula, de Bram Stoker. La trama de la película cuenta las desventuras que pasa Hutter cuando viaja a Transilvania a visitar al conde Orlock con el fin de venderle a éste una propiedad que colinda con su propio hogar. Una vez en el castillo del conde, Hutter comienza a notar el extraño comportamiento de éste y descubre unas marcas en su cuello.
Avaricia (1923-24) Dir. Erich von Stroheim
Avaricia (1923-24) Dir. Erich von Stroheim
Ejercicio visual del director Stroheim que aborda el tema de la codicia humana y los estragos que ésta causa en las personas, conduciéndolas a una penosa degradación moral. Originalmente la cinta duraba diez horas, pero fue recortada dando lugar a dos versiones de la misma: la censurada, de dos horas y media, y la versión completa, de cuatro.
El último (1924) Dir. Friedrich Wilhelm Murnau
Esta película trata sobre el portero de un granHOTEL DE LUJO, hombre con un gran sentido de respeto y responsabilidad por el trabajo que desempeña, lo que le ha otorgado el respeto de todos. Un día, de la nada, lo relevan de su labor y lo redirigen a desempeñar la labor de mozo de los lavabos; lo despojan de su uniforme y su identidad para ser testigo impotente de cómo su vida se va derrumbando ante él.
El acorazado Potemkin (1925) Dir. Sergei M. Eisenstein
El acorazado Potemkin (1925) Dir. Sergei M. Eisenstein
Esta película de tipo propagandística de 1925 está basada en un hecho real ocurrido en 1905, cuando los tripulantes del acorazado Potemkin se revelan ante el trato injusto del que son objeto por parte de los oficiales al mando, lo que se traduce como el antecedente del movimiento revolucionario de Odesa y, más tarde, de toda Rusia.La quimera del oro (1925) Dir. Charles S. Chaplin
Película escrita, dirigida y protagonizada por Chaplin que narra la historia de un buscador de oro quien tras una tormenta en Alaska se ve obligado a refugiarse en una cabaña que es habitada por un asesino prófugo. Al no poder echarlo de su cabaña, ambos se ven obligados a convivir forzadamente mientras el hambre los hace ver visiones y comportarse extrañamente.
La madre (1926) Dir. Vsévolod Pudovkin
La madre (1926) Dir. Vsévolod Pudovkin
Basada en la novela del escritor ruso Máximo Gorki, muestra los esfuerzos de un la madre de Pável Vlásov, quien ha sido arrestada y enviada a un campo de concentración tras una huelga en la que muere su esposo. Entonces abandona las reservas que aún tenía respecto a la ideología política de su hijo y se une a los revolucionarios.
La passion de Jeanne d´Arc (1928) Dir. Carl Theodor Dreyer
La passion de Jeanne d´Arc (1928) Dir. Carl Theodor Dreyer
Esta película narra el proceso que se le hizo a Juana de Arco por parte de la inquisición al ser acusada de brujería después de conducir a las tropas francesas a la victoria; ella declara haber recibido de Dios la misión de luchar por Francia y salvarla, pero es condenada a morir en la hoguera. La cinta resalta el uso magistral de los primeros planos para destacar las expresiones más profundas del sufrimiento humano.
Un perro andaluz (1928) Dir. Luis Buñuel
Un perro andaluz (1928) Dir. Luis Buñuel
Cortometraje de diecisiete minutos de duración, cuyo guión cuenta con la participación de Salvador Dalí, es el resultado de la convergencia de los sueños del artista y Luis Buñuel. Este cortometraje es considerado como el más significativo del cine surrealista.
Tierra (1930) Dir. Alexander Dovzenko
Tierra (1930) Dir. Alexander Dovzenko
Esta película narra la historia de la rebelión de unos agricultores que sufren la expropiación de sus tierras por parte de los terratenientes. Así, deciden comprar un tractor para afrontar las dificultades propias del terreno y salir adelante, venciendo de paso las injusticias de las que son víctimas.
La gran ilusión (1937) Dir. Jean Renoir
La gran ilusión (1937) Dir. Jean Renoir
La historia transcurre en un campo de concentración alemán durante la Primera Guerra Mundial donde unos prisioneros franceses crean entre sí una camaradería que les ayuda a soportar su estancia, mientras planean el escape a través de un túnel que juntos cavan.
Ciudadano Kane (1941) Dir. Orson Wells
Ciudadano Kane (1941) Dir. Orson Wells
Primera película de Orson Wells, escrita, dirigida y protagonizada por él mismo. Charles Foster Kane es un magante multimillonario, dueño de una gran cadena de periódicos que, estando en agonía, pronuncia una misteriosa palabra antes de morir: Rosebud. La conmoción es mundial y varios periodistas se dan a la tarea de desentrañar el misterio a partir de entrevistas a amigos y familiares.
Casablanca (1942) Dir. Michael Curtiz
Casablanca (1942) Dir. Michael Curtiz
Casablanca es una ciudad que ofrece cierto refugio para intentar esconderse de las tropas alemanas durante la Segunda Guerra Mundial. Entrar a Casablanca no representa mayores problemas, pero salir sí. La Gestapo busca en este lugar a Víctor Laszlo, líder de la resistencia checa, cuya última esperanza de sobrevivir está en Rick Blaine, antigua pareja Ilsa, su mujer. Blaine aún siente amor Ilsa y esto complica las cosas al no saber si ayudar al esposo de su gran amor.
El ladrón de bicicletas (1948) Dir. Vittorio De Sica
El ladrón de bicicletas (1948) Dir. Vittorio De Sica
Película del neorrealismo italiano cuya trama muestra la difícil situación que se vivía en aquel país tras el término de la Segunda Guerra Mundial. El protagonista de la historia logra conseguir un trabajo, gracias a que es dueño de una bicicleta, pegando carteles en la calle, pero un día le roban su vehículo de trabajo iniciando así una búsqueda desesperada para poder mantener su empleo.
Los olvidados (1950) Dir. Luis Buñuel
Los olvidados (1950) Dir. Luis Buñuel
La historia se desarrolla en un barrio marginal de la ciudad de México, y cuenta la historia del jaibo y Pedro, y la manera en que sus vidas se ven enlazadas por la tragedia y la violencia propias de su condición de vida llena de carencias que los atrapa sin que puedan escapar.
El séptimo sello (1957) Dir. Ingmar Bergman
El séptimo sello (1957) Dir. Ingmar Bergman
La historia se desarrolla en el siglo XIV, en Suecia, tienen como marco una Europa devastada por los enfrentamientos y por la peste negra, Antonius Blovk vuelven a Tierra Santa tras luchar varios años durante las cruzadas, es entonces cuando se encuentran con la muerte, quien reclama la vida de Blovk, éste la reta una partida de ajedrez con la intención de burlarla por algún tiempo y obtener de ella las respuestas que tanto busca sobre la vida y Dios.
miércoles, 9 de septiembre de 2015
PRIMERAS PROYECCIONES DEL CINE
El primer cortometraje se titulaba La salida de los obreros de los talleres Lumière. Otras películas fueron La llegada de un tren a la estación y la divertida El regador regado. La proyección suscitó un gran entusiasmo. El público se sentía fascinado en aquella atmósfera de maravilla creada por el artilugio de los Lumiere, cuando veía el tren que expulsaba humo y a los viajeros bajar y subir como si estuvieran allí mismo.
martes, 8 de septiembre de 2015
Datos Curiosos de Charles Chaplin & El Inicio del Cine Mudo.
1.- Sir Charles Spencer Chaplin nació en un campamento de gitanos de Smethwick, cerca de Birmingham, algo que siempre quiso ocultar sugiriendo que era de origen judío, sus padres también estuvieron relacionados al mundo del espectáculo, especialmente al género del music-hall.
2.- Chaplin debutó a la edad de cinco años, reemplazando a su madre en una actuación. Para 1912, ya había actuado con la compañía teatral de Fred Karno, con quien recorrió diversos países.
3.- Debutó con el personaje que lo haría famoso, Charlot, el vagabundo, en 1914 en la película Ganándose el pan y durante ese año rodó 35 cortometrajes, entre ellos Todo por un paraguas, Charlot en el baile y Charlot y el fuego.
4.- Las películas más destacadas de Chaplin fueron La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1935) y El gran dictador (1940).
5.- Sus técnicas al momento de filmar incluían slapstick, mímica y demás rutinas de comedia visual.
6.- Desde mediados de la década de 1910 dirigió la mayoría de sus películas, para 1916 también se encargó de la producción, y desde 1918 compuso la música para sus producciones.
7.- En 1919, en colaboración con Douglas Fairbanks, David Wark Griffith y Mary Pickford, fundó la United Artists.
8.- Charles Chaplin era alcohólico y frecuentaba poco a sus hijos, aunque ellos vivieron brevemente con él y su amante, Louise, en el 287 de Kennington Road, debido a que su madre había sido internada en el asilo de Cane Hill en Coulsdon a causa de sus serios problemas psiquiátricos.
9.- El ingreso de Chaplin a la compañía de mimos de Fred Karno en 1907 constituyó un acontecimiento fundamental en su formación artística. Debutó con un papel cómico en la obra El partido de fútbol.
10.- Cuando en la década de 1920 comenzaron las producciones sonoras, Chaplin se negó a encarar a su personaje hablado. De hecho, en Luces de la ciudad (1931), no aparece ningún diálogo. Chaplin abandonó su personaje en la película Tiempos modernos (estrenada el 5 de febrero de 1936), que finaliza con el vagabundo caminando por una carretera sin fin hacia el horizonte, de la mano de Paulette Goddard. La película fue prácticamente muda, aunque en una escena se lo pudo escuchar cantar a Chaplin durante unos minutos.
2.- Chaplin debutó a la edad de cinco años, reemplazando a su madre en una actuación. Para 1912, ya había actuado con la compañía teatral de Fred Karno, con quien recorrió diversos países.
3.- Debutó con el personaje que lo haría famoso, Charlot, el vagabundo, en 1914 en la película Ganándose el pan y durante ese año rodó 35 cortometrajes, entre ellos Todo por un paraguas, Charlot en el baile y Charlot y el fuego.
4.- Las películas más destacadas de Chaplin fueron La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1935) y El gran dictador (1940).
5.- Sus técnicas al momento de filmar incluían slapstick, mímica y demás rutinas de comedia visual.
6.- Desde mediados de la década de 1910 dirigió la mayoría de sus películas, para 1916 también se encargó de la producción, y desde 1918 compuso la música para sus producciones.
7.- En 1919, en colaboración con Douglas Fairbanks, David Wark Griffith y Mary Pickford, fundó la United Artists.
8.- Charles Chaplin era alcohólico y frecuentaba poco a sus hijos, aunque ellos vivieron brevemente con él y su amante, Louise, en el 287 de Kennington Road, debido a que su madre había sido internada en el asilo de Cane Hill en Coulsdon a causa de sus serios problemas psiquiátricos.
9.- El ingreso de Chaplin a la compañía de mimos de Fred Karno en 1907 constituyó un acontecimiento fundamental en su formación artística. Debutó con un papel cómico en la obra El partido de fútbol.
10.- Cuando en la década de 1920 comenzaron las producciones sonoras, Chaplin se negó a encarar a su personaje hablado. De hecho, en Luces de la ciudad (1931), no aparece ningún diálogo. Chaplin abandonó su personaje en la película Tiempos modernos (estrenada el 5 de febrero de 1936), que finaliza con el vagabundo caminando por una carretera sin fin hacia el horizonte, de la mano de Paulette Goddard. La película fue prácticamente muda, aunque en una escena se lo pudo escuchar cantar a Chaplin durante unos minutos.
viernes, 4 de septiembre de 2015
Nacimientodel cine mudo
Nacimiento del cine mudo:
La primera película de cine mudo fue “El jardín de Roundhay”, de Louis Le Prince (1888). Su duración era dos segundos y mostraba a dos personas caminando alrededor del jardín Oakwood Grange.
A fines de la década del 20, el cine alcanzó la madurez. Los expertos sostienen que la calidad del cien bajó cuando se introdujo el cine sonoro, y que le tomó varios años recuperarse. La calidad visual de las películas en los años 20 era muy alta.
Historia del cine mudo
Para complementar la falta de audio, se ideó un sistema de subtítulos agregados, mediante los cuales se añadían los diálogos. Surge entonces el escritor de títulos (como se llamaba en la época) como un profesional de la época muda y tomó una importancia equiparable con la del guionista. Los títulos tomaron importancia, convirtiéndose en elementos gráficos que ofrecían decoraciones de avance sobre la película.
La proyección de las películas mudas estaba acompañada pro música en vivo, por lo general, improvisada por un pianista o ejecutante del órgano. Se comprendió muy temprano la importancia de la ambientación musical.
Guten Tag, Ramón (CINE MEXICANO/ALEMAN)
Guten Tag, Ramón
En realidad es una comedia, pero
debajo de su simplísima historia hay más mensajes de los que se detectan
en un primer acercamiento. Eso sí, algunos de esos mensajes saben un
poco sensibleros. Los restantes sacan a flote a la película completa con
un tema que además resulta muy pertinente en nuestros días.
Jorge Ramírez Suárez inventa al Ramón del título
como una especie de bracero frustrado que ha intentado llegar a Estados
Unidos demasiadas veces como para intentarlo una más. En lugar de ello
decide tomar el consejo y los contactos de un amigo para volar a
Alemania, un país en el que, le dicen, “no hay migra”.
A partir de ahí Ramírez Suárez deja que Ramón
explore el pequeño pueblo en el que cae pero le pone la cosa difícil. La
barrera del idioma es su principal obstáculo, uno casi imposible de
sortear y ahí es que la película se vuelve interesante: este migrante
sin papeles tiene que sobrevivir sin hablar, en una especie de metáfora
que nos deja clarísimo que esos trabajadores ignorados carecen de voz
pero no de humanidad. Y es que precisamente la humanidad de los
personajes termina por establecer la comunicación entre ellos, todo
apoyado en un muy buen ejercicio de guión que da matices a los
personajes y los entrega cercanos, muy familiares. En pocas palabras, le
quita lo extranjeros a los extranjeros y lo migrantes a los migrantes
para que sean sus emociones y sus ideas los que establezcan y
desarrollen las relaciones.
En un experimento más arriesgado, Guten Tag Ramón
debió haber carecido de subtítulos para prohibirnos entender los
diálogos en alemán e igualarnos con el personaje central en el
desconocimiento total del idioma y las desventajas de ello. Ramírez Suárez
opta por una ruta más suave y construye una comedia cálida y
reconfortante que a pesar de todo retrata muy bien la situación de los
sin papeles, muchas de sus carencias y que se aleja cuanto puede de
finales estereotípicos.
El valor agregado de la cinta es justo el resumen de todo lo
anterior: hablar de migrantes sin que necesariamente los persiga la
migra; hablar de fronteras sin tener patrullas y cercos de vigilancia de
por medio; reflexionar sobre la necesidad o no de las fronteras (casi
cualquier tipo de fronteras) sin recurrir a Ciudad Juárez. Su
problemática es otra de las muchas caras que tiene la migración ahora, a
casi 15 años de haber iniciado el siglo XXI y la muestra de la mejor
manera.
PERSONAJES:
- Kristyan Ferrer como Ramón
- Ingebor Schöner como Ruth
- Adriana Barraza como Esperanza
- Arcelia Ramírez como Rosa
- Rüdiger Evers como Karl
- Hector Kotsifakis como Güero
jueves, 3 de septiembre de 2015
RECOMDACIÓN DEL DÍA (CINE MEXICANO)
AMOR DE MIS AMORES
Mientras Carlos viaja a Madrid en busca de su mejor amigo para que
esté presente en su boda, Lucía su prometida atropella por accidente a
León, un encuentro del que nacerá “el amor a primera vista”. Lo que ella
no sospecha es que él está por casarse en una semana con Ana, la que
hasta ese momento era “el amor de su vida”.
Lo que acaban de leer es la premisa de Amor de mis amores, la adaptación cinematográfica de la obra de teatro Un, dos, tres por mí y por todos mis amigos, de Manolo Caro, quien busca anotarse un nuevo éxito después del conseguido con No sé si cortarme las venas o dejármelas largas.
Se trata de una comedia que, aunque lo intenta, no logra quitarse los
estigmas de ligera y clicherosa, que se refugia en las dudas de sus
personajes para explorar temas como el matrimonio, la infidelidad y el
amor.
Nuevamente, Caro se instala en una clase
acomodada (el protagonista a punto de casarse decide ir a buscar a su
mejor amigo a Madrid) —la cual conoce a la perfección— y desde ahí
construye su relato de jóvenes inmaduros e inseguros que no saben qué
hacer con sus vidas. La producción a cargo de Álex García (Itaca) reúne a toda una generación de actores con antecedentes telenoveleros (Sandra Echeverría, Marimar Vega, Sebastián Zurita, Juan Pablo Medina y Erick Elías) aportan visualmente lo que no les alcanza con talento. Vega y Medina
son los únicos sobrevivientes a la puesta teatral, y sobre quien recae
el peso narrativo de la historia, que sacan adelante con carácter y
personalidad.
La buena noticia es que Amor de mis amores confirma que estamos ante un autor (no olvidemos que Manolo Caro
escribe cada uno de sus guiones), que imprime su sello en cada una de
sus historias y que cada vez se siente más seguro detrás de las cámaras,
por lo que lo mejor seguramente está por venir (ya filmó su tercera
película, Elvira te daría mi vida pero la estoy usando). La
cinta se revela en la cartelera como una opción fresca, entretenida y
como también ya es una costumbre, con una banda sonora exquisita
encabezada por Jenny and the Mexicats, Natalia Lafourcade, Astrid Hadad, Fobia y Hello Seahorse!, quienes realizan una nueva versión de Que nadie sepa mi sufrir (mejor conocida como Amor de mis amores), original de Margarita, La diosa de la cumbia.
Y es que a final de cuentas ¿Por qué no darle la oportunidad a una
comedia ligera mexicana si cada semana se lo permitimos a decenas de
producciones gringas que nada tienen que ver con nosotros?
martes, 1 de septiembre de 2015
NUESTRO PRIMER COMENTARIO
Hoy hablaremos de que es un género cinematográfico este se caracteriza por su voluntad de provocar en el espectador sensaciones de pavor, miedo, disgusto, repugnancia u horror. Sus argumentos frecuentemente desarrollan la súbita intrusión en un ámbito de normalidad de alguna fuerza, evento o personaje de naturaleza maligna, a menudo de origen criminal o sobrenatural.
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